Durante las próximas clases vamos a sumergirnos en el estimulante e interesente mundo del arte que se produce entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, el arte en el cambio de siglo.
Pero antes debemos conocer las cricunstancias históricas que habían sucedido previamente y que estaban sucediendo que explican la producción artística que se da durante estos años y que se convertirá en la base de todo el arte contemporáneo.
El individuo que vive en estos cambios de siglo va a experimentar toda una sucesión de acontecimientos que van a transformar la sociedad que se conocía hasta entonces.
La Revolución Industrial tendrá unas importantes consecuencias dentro del mundo artístico por diversas razones.
-Se desarrollará la industria química que permitirá la creación de nuevos colores sintéticos y mejorará los existentes. Se desarrollará a partir de aquí la invención de unos tubos de estaño con tapón de marfil para conservar los colores al óleo. Estos avances serán fundamentales ya que anteriormente los pigmentos se preparaban en el taller, mediante un tedioso proceso, y se secaban bastante rápido. Aquí os dejo un fragmento de la película "La joven de la Perla", inspirada en la vida del pintor Johannes Vermeer (s. XVII), en el que se nos muestra la preparación de pigmentos en el taller:
Observando este fragmento nos damos cuenta de que los pigmentos se preparaban a partir de minerales, de productos naturales. Así por ejemplo el amarillo indio se conseguía a partir de la orina de vacas.
-Será fundamental también desarrollo de nuevos materiales como el hierro colado, el vidrio y el cemento.
-El surgimiento de la fotografía (1839) y más adelante el desarrollo del cine (1895) proporcionarán nuevos soportes de expresión a los movimientos artísticos del siglo XX.
Pero no sólo la Revolución Industrial cambiará la sociedad del siglo XX, aparecerán nuevas teorías que propiciarán un cambio de pensamiento:
Charles Darwin (1809-1882) desarrollará su "Teoría del orgien de las especies", en la que nos habla de la selección natural, es decir, sólo sobrevivirá aquel miembro de la especie que sepa adaptarse a los cambios de la vida.
Sigmund Freud (1856-1939) creados del psicoanálisis en su obra "La interpretación de los sueños" (1900). Sus escritos ejercerán una gran influencia sobre los artistas del movimiento surrealista.
Friedrich Nietzsche (1844-1900) filósofo alemán considerado uno de los pensadores contemporáneos más influyentes del siglo XIX. Desarrollará el concepto de Übermensch (ultrahombre) que sería aquel hombre vital, que ama la vida y su mundo, que crea sus propias normas y que somete todas las cosas a su voluntad. Sus obras fueron muy leídas por los artistas del momento ya que defienden la libertad de romper con los modelos y límites establecidos.
El mundo artístico no quedará aislado de todos estos sucesos que
provocarán una serie de inquietudes en los artistas que les llevarán a
replantarse su idea sobre lo que es el arte y que debe representar.
Reflexionemos...
Para poder acercarnos al mundo artístico de las vanguardias debemos hacernos una serie de preguntas:
-¿Qué consideramos como arte?
-¿Cuál es el valor de una obra de arte?
-¿Tiene el arte alguna función?
-¿El valor de una obra de arte y su "precio" son la misma cosa?
-¿La obra de arte es la creada sobre un lienzo y con pinceles?
-¿Tiene el arte una función social?
-¿Existe algún factor o circunstancia que influya en el trabajo de los artistas?
Todas estas respuestas las iremos respondiendo a lo largo de las diferentes sesiones. Pero ahora os quiero mostrar una serie de creaciones artísticas de las que hay que tener en cuenta que nacieron o surgieron gracias a la vía, al camino que abrieron los artistas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.
Comparemos ahora estas obras que aparecen a continuación y pensemos sobre nuestro concepto de arte:
"La muerte de Jacinto", 1801, Jean Broc
Robert Gober, 1991
Robert Gober (1954) nos presenta una escultura, las piernas de una figura humana vestidas con unos zapatos, calcetines y pantalones reales, podríamos decir que es una obra realista. Pero Gober prescinde de todas esas habilidades pictóricas, no busca esa belleza, ni tampoco contar una historia conocida, quiere producir sorpresa en el espectador.
"Monsieur Bertin", 1832, Ingres
"Dhotel teñido de albaricoque", 1947, Jean Dubuffet
En la obra de Ingres (1780-1867) podemos observar ese dominio de la pintura, esa perfección en el dibujo, en la luminosidad, etc. Sigue fielmente la tradición y las pautas academicistas.
Jean Dubuffet (1901-1985) nos presenta al señor Dhotel empleando unas tonalidades parecidas a las de Ingres, y con un fondo neutro también, pero algo es diferente. Ambas pinturas son retratos pero con mensajes totalmente distintos. Dubuffet dominaba el dibujo, la técnica, pero decide no emplearlas porque considera que se debe volver a empezar con la energía libre que puede tener un niño o incluso un loco. ¿Porqué proclamaba esto? Dubuffet vivirá en una época en la que la civilización humana ha quedado arrasada por las guerras y su pintura es un reflejo de ello. Por lo tanto, ni el concepto de belleza ni de perfección técnica le interesan, él interpreta al señor Dhotel a su manera, libre de las imposiciones de la tradición.
Ahora vamos a añadir otro concepto o cuestión sobre la que reflexionar: ¿Cuál es el valor de una obra de arte? y ¿el valor de una obra de arte y su precio son la misma cosa?
La Fuente, 1917, Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (1887-1968) es un artista dadaísta que creó los llamado ready-made: objetos comunes que eran elevados a la categoría de obras de arte al firmarlos. Esta famosa obra fue creada por Duchamp con una clara intención. En 1917 formaba parte de la Sociedad de Artistas Independientes que pretendían organizar exposiciones sin premio ni jurado. Esta Sociedad proclamaba que cualquier obra sería expuesta. Duchamp decide comprar este urinario, firmarlo con un nombre falso, y con el título La Fuente lo envía para la inscripción. El objeto causó mucho revuelo y finalmente no fue aceptado. Tras este episodio Duchamp dimitió de su cargo en esta organización. Defenderá que lo importante no era la obra en sí misma, si no la intencionalidad del artista.
Cajas Brillo, Andy Warhol
Con esta obra Andy Warhol (1928-1987) eleva también a la categoría de arte estas cajas de detergente, pero hay una diferencia respecto a la obra de Duchamp. La Fuente es un objeto común real, en cambio estas cajas no eran las originales, Warhol las encargó a un carpintero, están hechas de madera, no de cartón. Su obra se ubica dentro de la sociedad de consumo americana. Con este tipo de creaciones la obra de arte no se diferencia del objeto común, se pierde la valoración técnica de la obra, el trabajo, etc., por ello muchos pensadores contemporáneos consideraron que el Arte había muerto.
"Mierda de artista", Piero Manzoni
Manzoni (1933-1963) con esta obra lanza una mordaz crítica al mercado del arte, en el que la simple firma de un artista conocido o famoso produce que esa obra incremente su precio de forma irracional. La obra consiste en noventa latas cilíndricas de metal, que contienen según la etiqueta: Mierda de artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida y envasada en mayo de 1961. Este texto se encuentra escrito en diferentes idiomas, en francés, italiano y alemán. Todas ellas están numeradas y firmadas por el autor en la parte superior. Hoy en día su precio alcanza cifras insólitas y no salen a la venta con mucha frecuencia. Treinta años después de la muerte del artista un amigo suyo reveló que las latas sólo contenían yeso, pero parece que nadie se ha atrevido a abrir ninguna.
Viendo estas obras podemos reflexionar también acerca de la cuestión de los materiales y soportes, es decir, ¿la obra de arte es la creada sobre un lienzo y con pinceles? Veamos ahora una serie de ejemplos y consideremos la existencia de otro tipo de soportes.
"Concetto Spaziale", 1963, Lucio Fontana (1899-1968)
Este artista raja sus lienzos, en otras ocasiones los agujerea, para él este proceso tiene un sentido poético, místico. Sus obras no narran nada, son cuadros totalmente abstractos, los llama "espacialismos". Cuando raja el lienzo o lo agujerea, el espacio de la pared entra a formar parte de la pintura, además estos bordes cortados se hunden hacia dentro produciendo sombras.
"Pintura al fuego", 1961, Yves Klein (1928-1962)
Este artista investigó mucho sobre los materiales y los soportes en la obra de arte. Le interesaban mucho la filosofía antigua y oriental, en esta obra hay una profunda reflexión sobre los cuatro elementos de la naturaleza: tierra, agua, fuego y aire. Este proyecto consistía en realizar un dibujo sobre el soporte con una esponja mojada en agua, antes de que se secara aplicaba el soplete, por lo tanto las zonas secas quedaban más ennegrecidas mientras que las húmedas dejaban una veladura marrón, dando lugar a formas misteriosas. También emplearía el propio cuerpo humano como herramienta ya que en ocasiones modelos femeninas mojaban su cuerpo desnudo en agua, se pegaban al lienzo tras unos segundos se retiraban, Klein aplicaba el soplete y surgían las formas del cuerpo femenino.
"Bronx Floors", Gordon Matta-Clarck (1943-1978), 1972-1973
Este artista con su obra está denunciando una situación de desigualdad social. Durante los años 70 reside en Nueva York, ciudad que experimenta una situación de especulación urbanística considerable. Muchos barrios estaban ocupados por familias pobres que residían en grandes edificios que habían pertenecido a las clases más ricas, pero que éstos habían abandonado. A los especuladores les interesaba demoler estos edificios abandonados para levantar nuevas construcciones de nivel alto, por ello permiten que acaben casi en ruinas, sin restaurarlos con la intención de que estas familias pobres, que pagaban un alquiler, acabaran marchándose. Gordon Matta-Clarck entrará en estos edificios, ya abandonados por estas gentes más pobres, con su motosierra y sin permiso, para cortar fragmentos de pared, de suelo, etc. Estas piezas las expondrá junto con fotografías y películas con la intención de denunciar esta situación.
Surgirá un movimiento durante la segunda mitad del siglo XX llamado "Land-art", arte en la naturaleza. Estas obras serán efímeras, se instalarán durante un cierto tiempo para luego desmontarse o se auto-destruirán.
"Spiral Jetty", Robert Smithson (1938-1973), 1970:
Robert Smithson, escultor, se planteaba intervenir en la naturaleza para mostrar la propia magnificiencia de la misma, pero realiza sus obras en zonas que han sido tocadas por el hombre, zonas industriales. En este caso en ese terreno se ubicaba una mina abandonada. Para la realización de la espiral recogió piedras y tierra con excavadoras, las cargaba en un camión y las iba colocando en el fondo del lago. De esta manera crea un pasillo o camino en la superficie por donde se puede pasear, y se consigue estar inmerso en ese paisaje. Smithson era consciente de que su obra acabaría disgregándose. Transcurrido un año desde su realización el agua cubrió la espiral, se creyó que se había destruido pero tras varios años el nivel del lago descendió y la espiral volvió a emerger. También hay que tener en cuenta que para su construcción sólo se empleó material de la zona, es decir, la obra, la naturaleza se iba a apropiar de su propia creación.
Ana Mendieta (1948-1985):
Esta artista cubana marcha a norte américa para estudiar Bellas Artes, pero nunca se sintió realizada. Se sentía diferente por ser hispana y además mujer-artista. Sentía mucha melancolía por su cultura. Por ello irá a la naturaleza para realizar estas "performances" buscando la relación entre la mujer y la tierra (la diosa madre), ambas creadoras de vida, reivindicando el papel de la mujer.
Christo Javacheff (1935):
La obra de este artista consiste en intervenir en la naturaleza, en los paisajes naturales, pero no emplea materiales proporcionados por la misma como el los dos casos anteriores, si no que sus creaciones se caracterizan por el "empaquetamiento" con telas, toldos, paraguas, etc. de grandes áreas naturales, edificios o puentes. Estos trabajos los realizó junto a su mujer Jeanne-Claude que falleció en 2009. Si quieres conocer la obra de este artista más en profundidad pincha aquí.
Surrounded Islands, 1983
The Umbrellas, California
El edificio del Reichstag, 1995
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