domingo, 27 de abril de 2014

PUBLICIDAD Y ARTE

La publicidad ha encontrado, en numerosas ocasiones, una fuente de inspiración en el arte. Existen numerosos anuncios publicitarios con una clara vinculación con el mundo del arte. Se podrían distinguir dos vertientes, los anuncios que toman directamente la obra de arte y que posteriormente la modifican y los anuncios que se inspiran en la obra, pero no son una copia de la misma, la vinculación con el arte es más sutil. 
A continuación podréis observar una serie de ejemplos tanto de una vertiente como de otra:



Con este anuncio Nokia crea una imagen publicitaria que no es una copia de ninguna obra de arte, pero se vincula directamente con una muy conocida. Si pinchas aquí, y miras con mucha atención en el techo, descubrirás en que obra se inspira.


En este caso la conocida marca de bombones Ferrero Rocher toma para su anuncio los rostros de dos obras que se han considerado como la representación de la belleza ideal, del cuerpo ideal. ¿Qué mensaje nos están transmitiendo? en resumen entenderíamos que los bombones son tan buenos que hasta estas dos "obras de arte" los comen. Él es el "David" de Miguel Ángel, pero ¿y ella?.

Existen algunas obras tan famosas y conocidas como "La Gioconda" de Leonardo da Vinci o "Las Meninas" de Diego Velázquez, que se han convertido en un recurso muy utilizado por las agencias publicitarias:




En los dos primeros casos marcas tan famosas como Pantene o Iphone han decidido tomar como referente a la Gioconda creando estas imágenes curiosas, que llaman la atención al público y pueden considerarse algo cómicas. Ya un artista de  vanguardia le dio un toque personal a esta pintura, pincha aquí y descubrirás su creación. En el segundo caso nos encontramos con una fotografía de El Corte Inglés que hace su peculiar recreación de las Meninas con un sugerente y atrayente eslogan.

Ahora a partir de la siguiente pintura, obra del pintor Johannes Vermeer, vamos a intentar recordar algún anuncio que se pueda vincular o relacionar con ella......


Comprueba aquí si estás en lo cierto. 

Efectivamente, en este caso Nestle toma esta pintura de Vermmeer titulada "La lechera"como imagen de su marca:


Pero ya que hemos visto el arte que se desarrolla a finales del siglo XIX y principios del siglo XX vamos a intentar encontrar algún ejemplo que tome como inspiración alguna obra de ese periodo. Antes de iniciar la búsqueda debemos tener en cuenta que ya en esos momentos existían los anuncios publicitarios, por ejemplo tenemos los carteles que realizaba Henri Toulouse-Lautrec para anunciar los espectáculos en los cabarets:

 

No debemos olvidar a los modernistas como Alphonse Mucha, un ejemplo este anuncio para Nestle de 1897:


Iniciemos ahora la búsqueda, por ejemplo alguna obra de arte del Impresionismo como ésta de Edgar Degas:


ha sido utilizada como recurso para anunciar la PSP de la marca Sony. Ciertamente el mensaje que nos quiso transmitir Edgar Degas con esta pintura, "La bebedora de absenta" (1876), se transforma o pervierte con este anuncio, que identifica la actitud de la mujer con el aburrimiento, cuando en realidad muestra una actitud pesimista ante la vida, muestra las consecuencias de algún acontecimiento que le ha llevado a ir a una taberna a beber.


La inspiración en el Surrealismo ha sido muy frecuente en la publicidad, encontramos numerosos ejemplos inspirados en este movimiento:


En el caso de este original anuncio de BMW la inspiración claramente la encontramos en las obras de Salvador Dalí. Nos presentan ese mundo desértico tan característico de este artista al igual que algunos elementos como las hormigas o las formas onduladas y desechas. El mensaje en claro, los coches de la marca BMW son tan eficientes que no paran a repostar por ello la gasolinera está cerrada, los camiones que transportan el combustible están oxidados y vacíos y el trabajador de la estación de servicio llora desconsoladamente.


En este caso se presenta este plato desecho, cayendo por el borde relacionándose directamente con una famosa obra de Dalí que puedes encontrar en este blog. Nos hacen la vinculación entre arte y gastronomía haciendo alusión a que podrás disfrutar de sabrosos alimentos que se consideran obras de arte en sí.


Este cartel publicitario es muy curioso, la escuela de arte Civita nos presenta a este niño llevando estos largos bigotes que aluden claramente a la figura de Salvador Dalí. De esta forma nos demuestran como este característico rasgo del artista se ha convertido en su seña de identidad. Además el niño tiene una expresión exactamente igual a la que ponía Dalí en todas sus fotografías.

El cubismo, y en particular la obra de Pablo Picasso, también ha sido una fuente de inspiración para el mundo de la publicidad:

En este caso la marca DOVE hace uso de la imagen de las "Señoritas de Aviñón" (1907). También es muy interesante un spot publicitario que realizó Mastercard y que podéis visionar si pincháis aquí.

Ahora analicemos el siguiente anuncio del perfume Manifesto de Yves Saint Laurent:

Claramente el nombre que le han dado al perfume tiene una clara relación con el arte de las vanguardias ¿por qué? si recordamos lo que hemos visto en nuestra unidad varios movimientos como el Futurismo, el Dadaísmo, el Surrealismo comenzaron con la publicación de sus manifiestos, documentos que recogían sus ideales artísticos. Mayor es la vinculación con el arte si leemos la frase que aparece debajo del nombre del perfume: "Daring is an art",  "La provocación es un arte". Pensemos ahora que querían lograr las vanguardias, y a través de qué lo conseguían, por ejemplo todas las manifestaciones del Dadaísmo buscaban la provocación de las clases burguesas.
Pero centrémonos ahora en la modelo, aparece con las manos llenas de pintura y se puede llegar a distinguir en la forma que aparece por detrás el cuerpo de una mujer:


Esta pintura es obra del artista Yves Klein (1928-1962), observamos un cierto parecido con las formas que aparecen por detrás de la modelo ¿verdad?. Ahora visionemos el spot publicitario de este perfume.

Como hemos visto la modelo, la protagonista pinta un lienzo con su cuerpo, Yves Klein fue conocido porque embadurnaba a modelos femeninos, desnudos, de pintura que procedían a presionar su cuerpo sobre el lienzo dando lugar a obras como la anterior. Aquí vemos como la modelo acaba de presionar su cuerpo sobre el lienzo:



Este artista también fue conocido por las "performances", acciones artísticas, que llevaba a cabo. Varias modelos frotaban sus cuerpos desnudos llenos de pintura sobre el lienzo mientras un cuarteto de cuerda tocaba alguna pieza musical:


Ahora podemos comprobar claramente la vinculación de este anuncio con la obra de Yves Klein, y con el mundo de las vanguardias, tanto por el nombre del perfume como por el eslogan.

PRESENTACIONES 4º B

PRESENTACIONES 4º A

lunes, 14 de abril de 2014

LA FOTOGRAFÍA

EL NACIMIENTO DE LA FOTOGRAFÍA.

El 19 de agosto de 1839 en París se presenta uno de las creaciones más importantes de la historia, la fotografía. Tras su presentación el éxito de este invento fue generalizado, el gobierno francés comprará la patente del invento y su procedimiento será divulgado por todo el mundo.

El procedimiento fotográfico combinó el desarrollo de tres ciencias fundamentales:
-Química: sustancias fotosensibles, productos para el revelado y fijado de la imagen.
-Óptica: lentes y objetivos.
-Mecánica: desarrollo de la cámara fotográfica y sus mecanismos para cerrar y abrir objetivo y controlar el tiempo de exposición a la luz.
Esta primera generación de fotógrafos realizaban en su totalidad todo el procedimiento para la captación de una imagen.

Tras la aparición de la fotografía, llamada así a partir de 1850, y su divulgación, se plantearon varias cuestiones. ¿Era la fotografía un arte o simplemente un proceso técnico?
Los grandes académicos del Arte consideraban que la fotografía era sólo un proceso mecánico, no existía la creación personal, ni la imaginación u originalidad. En cambio los fotógrafos defendían que sus "creaciones" debían ser presentadas en las grandes exposiciones.

El antecedente más cercano a la fotografía en pintura lo encontramos en "la cámara oscura". Durante el Renacimiento Leonardo da Vinci perfeccionará este procedimiento que se conocía desde el siglo X. En un sala, de cuatro paredes, se realizaba un orificio en una de las paredes y se le colocaba una lente. A través de esta lente la luz del exterior penetraba en la sala, reflejando en la pared de enfrente la imagen del exterior. Los pintores procedían a colocar un papel sobre esa imagen reflejada marcando los contornos.


Estos bocetos de Canaletto de la Basílica de los santos Giovanni e Paolo en Venecia los obtuvo empleando este procedimiento de la cámara oscura:


Con el tiempo la cámara oscura se perfeccionó pasando de ser una sala a una caja, era portátil. El procedimiento era similar, se perforaba la caja y se le colocaba una lente, en el interior se había un espejo en el que se reflejaba la imagen del exterior.


Aquí tenéis una escena de la película la Joven de la Perla en la que el pintor Johannes Vermeer le muestra a Griet, la protagonista, el funcionamiento de una cámara oscura:


(se incluyen más escenas muy interesantes)

La primera fotografía que nos ha llegado es obra del grabador Nicéphone Niepce (1765-1833) titulada "Vista desde la ventana en Le Gras" (1826-27):


Para realizar esta fotografía Niepce emplea una placa metálica que embadurna de betún. Dicha placa la introduce en la cámara, que él mismo fabricaba, que coloca en el alféizar de la ventana con el objetivo abierto durante ocho horas. En las partes de la placa que más reciben la luz el betún se endurece y se convierten en insolubles. Después de la exposición la placa se bañaba en un disolvente que eliminaba las partes del betún que no habían recibido la luz. Por lo tanto en la fotografía las zonas oscuras se corresponden con las que han recibido más luz, mientras que las zonas claras serían las zonas que no han recibido la luz por ello el betún no se ha fijado.

Louis Jacques Mandé Daguerre (1787-1851) tiene noticias de los hallazgos de Niepce, y decide entrar en el tema de la fotografía. Daguerre era un empresario muy emprendedor. Investiga sobre los avances de Niepce y consigue perfeccionar el procedimiento. Llamará a su creación "Daguerrotipo".
La mejora respecto a Niepce es un menor tiempo de exposición, si Niepce necesitaba ocho horas con el Daguerrotipo se necesitarán 20 o 30 minutos de exposición. La única pega era que no podía captar una imagen en movimiento, es decir, sólo captaba lo estático. Existen Daguerrotipos de la ciudad de París en los que no se observa ningún carruaje, personaje, etc., en uno de ellos únicamente se ve a un hombre al lado de una fuente ya que debió estar durante esos 30 minutos de exposición sin moverse de ese lugar.


Los Daguerrotipos se conservaban en unos estuches portátiles. En su interior se encontraba el daguerrotipo protegido por un espejo y con un marco. Estos estuches también tenían un carácter decorativo y formaban un conjunto con el daguerrotipo. Son imágenes únicas, no se realizaban copias por ello son tan valiosas:


William Henry Fox Talbot (1800-1877) un adinerado científico que residía en una finca en Gran Bretaña realizará también sus investigaciones en el campo de la fotografía, creando los "Calotipos" o "Talbotipos". Logrará una mayor nitidez en sus imágenes y se dedicará a fotografiar su finca, a sus amigos, familiares, trabajadores, etc. Talbot era un gran conocedor del arte, era su fuente de inspiración, por ello estas imágenes de la vida cotidiana de su finca recuerdan a la pintura holandesa del siglo XVII.


"La puerta abierta" (1844)


"La escalera" (1844-45)

Talbot saldrá a la ciudad de Londres y realizará fotografías de obras públicas, monumentos, objetos arqueológicos, etc. Con estas fotografías Talbot está mostrando como las imágenes se pueden incluir dentro del trabajo del museo, del estudio de Arqueología. Todas las fotografías que realiza las va a reunir en un libro "El pincel de la Naturaleza" (1844) , es la primera recopilación de imágenes conocida. La portada:



A partir de la segunda mitad del siglo XIX la fotografía se irá especializando en diversos géneros: retratos, desnudos, vistas pintorescas, reportaje de guerra, fotografía científica, etc. Surgirá un género llamado fotografía mortuoria. A la persona fallecida se la colocaba delante de la cámara fingiendo que estaba dormida, la idea era captar la última imagen del fallecido.
Será también un periodo de grandes avances técnicos, surgirán nuevas cámaras más sofisticadas, se podrán ampliar fotografías, etc., y la imagen como lenguaje artístico sufrirá un gran despegue.
La técnica que surgirá en 1850, y que desplazará a las anteriores será el Colidón húmedo. Con este proceso se conseguirá la misma calidad que el daguerrotipo, pero siendo mucho más sencillo y barato realizado sobre un soporte de cristal.
En primer lugar se limpiaban las placas de cristal y se vertía sobre ellas el colidón húmedo, una solución de nitrato de celulosa en agua con alcohol, era un paso peligroso ya que es un producto explosivo. El colidón no tiene sustancias sensibles a la luz por ello se bañaba la placa de cristal en nitrato de plata. Inmediatamente, antes de que se secara la solución, se debía introducir la placa en la cámara que se colocaba frente a la imagen que se quería captar. Tras el debido tiempo de exposición se lograba el negativo de la imagen.

Robert Fenton era un fotógrafo ambulante, se le conoce por ser el primero en realizar reportajes de guerra, retrataba la retaguardia, los campamentos. Su fotografía más conocida es "El valle de la sombra de la muerte" (1855), nos muestra un paisaje desolados, vacío, donde se observan las huellas de las máquinas de guerra y las balas de cañón sin explotar:


Fenton fotografió la Guerra de Crimea, aunque se le criticó el hecho de no mostrar la realidad ya que en sus imágenes no se observa ningún campo de batalla o cadáveres (si quieres saber más sobre la Guerra de Crimea pincha aquí). Un ejemplo de una de sus fotografías es "Tropas británicas en Crimea"(1855):


Para realizar estos reportajes de guerra nos encontraremos a varios fotógrafos trabajando conjuntamente en los llamados equipos fotográficos. Uno de los más conocidos será el formado por Mathew Brandy y Timoty O´Sullivan, que fijarán en imágenes las Guerra de Secesión americana en 1863. Una de sus fotografías más conocida es la que muestra la batalla de Gettysburg (Pensilvania, 1863), será la primera vez que se presente el campo de batalla, los cadáveres:


Como hemos dicho surgirán diversos géneros fotográficos, uno muy curioso será el conocido como "Carta de visitas". Desarrollado por André Eugène Disdéri, estas cartas de visita consistían en una serie de retratos fotográficos que se colocaban en unos cartones del tamaño de una tarjeta. Lograron una gran fama entre las clases burguesas ya que se empleaban para dejarlas en las viviendas en las que no se encontrara la persona a la que se iba a visitar. Se depositaba la tarjeta de visita y de este modo se conocía quién había ido ese día. Disdéri daba la opción a sus clientes de poder disfrazarse, por ejemplo de bailarina:



En este momento podemos empezar a hablar de fotógrafos artistas como Gaspar Felix de Tournachon (1820-1910), más conocido como Nadar.
Nadar era un intelectual, un periodista, que abrirá las puertas de su casa a los personajes más importantes de la época para retratarlos. No le interesa el escenario, quiere plasmar la personalidad del personaje por ello lo presenta sobre un fondo completamente plano. Retratará a escritores, pintores, actrices, etc. Como ejemplo los retratos de Sara Bernhardt y Julio Verne:



A Nadar se le deben las primeras fotografías aéreas de la historia, que despertaron mucho interés en el campo militar por las posibilidades que ofrecían para poder conocer la posición del enemigo. Nadar era el presidente de la Asociación de Aerostática francesa y Julio Verne era el secretario.


Vista de París, 1863


Autorretrato en globo, 1856

Julia Margaret Cameron (1815-1879) es considerada una verdadera artista. Nació en Calcuta, aunque su familia era inglesa, vivió la mayor parte de su vida en Asia, allí conoció a un empresario inglés y tuvo a sus hijos. Al regresar a Inglaterra una de sus hijas, con motivo de su cumpleaños, le regaló una cámara fotográfica. Comenzó a fotografiar a sus familiares, a sus hijas, sobrinas, sus retratos destacan por su sensibilidad. Admiraba a los pintores prerrafaelitas ingleses, esta influencia se verá reflejada en el simbolismo de sus fotografías.


Espero, 1860


La fotografía en movimiento, antes del surgimiento del cinematógrafo, fue desarrollada por Edward Muybridge (1830-1904) y Etienne-Jules Marey (1830-1904).
Muybridge centró su investigación en el movimiento del cuerpo humano y de los animales. Logró el mecenazgo del gobernador de California que le cedió parte de su rancho de Palo Alto en 1878 y varios caballos con los que poder experimentar.
Para captar el movimiento del caballo al galope colocó doce cámaras en una pared de un pasillo y otras doce enfrente unidas cada una de ellas mediante un cordel . El caballo al pasar iba rompiendo estos cordeles que accionaban el pulsador y las cámaras ibas disparando las fotografías:




También realizó series de fotografías de seres humanos subiendo y bajando escaleras o de gimnastas haciendo ejercicios o piruetas. Más adelante fabricó una cámara con un objetivo rotativo que permitía hacer todas las fotografías con el mismo aparato y no emplear así varias cámaras diferentes.

Etienne Jules-Marey fue más allá en su investigación sobre el movimiento, no lo plasmará en varias secuencias o fotografías lo hará en una única imagen. Creó el llamado fusil fotográfico que le permitía realizar doce fotografías por segundo:


 Marey llamó a sus creaciones Cronofotografías.




Como hemos dicho a principios del siglo XX surge esa reivindicación de la fotografía como obra de arte. Estas tendencias se conocen como pictorialismos, se relacionan con el simbolismo ya que rechazan la realidad a favor de la imaginación creando efectos como el desenfoque deliberado.

Edward Steichen (1879-1973) será uno de estos fotógrafos pictorialistas, dos de sus obras más importantes son "El estanque" de 1898 y "El estanque a la luz de la luna" 1904, ésta última fue la fotografía más cara de toda la historia:


Entre los pictorialistas encontramos a una mujer Gertrude Käsebier (1852-1934) que destaca por la serie de retratos que le realizó a Auguste Rodin, que plasman la grandiosidad de su personalidad y su espíritu:


Auguste Rodin, 1905

Existió un grupo de fotógrafos americanos que se separaron de las sociedades fotográficas. Estaba formado por artistas jóvenes que deseaban experimentar más, se denominaron a si mismos Secesión y a sus obras "Photo-secession". El grupo estaba liderado por Alfred Stieglitz (1864-1964) cuya obra se caracteriza por reflejar la vida cotidiana de Nueva York. Entre sus fotografías destaca "La terminal" 1893:


En su fotografía "El entrepuente" de 1907 nos muestra uno de los barcos en los que llegaban los inmigrantes a América. Se observa claramente la división que existía entre las clases altas, que se situaban en la parte superior del barco, y los más desfavorecidos y pobres:




martes, 1 de abril de 2014

ARTISTAS

A continuación tenéis el listado de artistas entre los cuales debéis escoger uno:


Antoni Gaudí (modernismo):
Gustav Klimt (modernismo)
Edouard Manet (impresionismo):
Claude Monet (impresionismo):
Pierre-Auguste Renoir (impresionismo):
Joaquín Sorolla (impresionismo):
George Seurat (neoimpresionismo):
Paul Cézanne (postimpresionismo):
Henri Toulouse-Lautrec (postimpresionismo):
http://www.arteespana.com/henridetoulouselautrec.htm

Vincent Van Gogh (impresionismo/expresionismo):
http://www.wikipaintings.org/en/vincent-van-gogh
http://www.vangoghgallery.com/es/misc/biografia.HTML
http://www.vangoghmuseum.nl/vgm/index.jsp?page=16595
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/237

Auguste Rodin (impresionista/expresionista):
http://www.musee-rodin.fr/es/auguste-rodin/cronologia-de-auguste-rodin
http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas?page=1
http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/obras-comentadas/busqueda/commentaire_id/puerta-del-infierno-9092.html?no_cache=1
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/489

Umberto Boccioni (futurismo):
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2008/11/umberto-boccioni.HTML
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/76
http://www.wikipaintings.org/en/umberto-boccioni/the-charge-of-the-lancers-1915
http://www.culturizando.com/2012/08/umberto-boccioni-el-padre-del.HTML

Giacomo Balla (futurismo):
http://www.wikipaintings.org/en/giacomo-balla
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/46
http://decualquiermodocaeradepie.blogspot.com.es/2010/09/futurismo-como-tendencia-pictorica-ii.HTML
http://labellezadelavelocidad.blogspot.com.es/2011/10/giacomo-balla.HTML

Giorgio de Chirico (surrealismo/pintura metafísica):
http://www.wikipaintings.org/es/giorgio-de-chirico/still-life-1929
http://www.artepinturaygenios.com/2011/06/giorgio-de-chirico-metafisica-color.HTML
http://www.elarteporelarte.es/la-pintura-metafisica-giorgio-de-chirico/
http://surrealismosa.wordpress.com/2012/05/09/giorgio-de-chirico-y-la-pintura-metafisica/

Henri Matisse (fauvismo):
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/395
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/henri-matisse-pinturas-dibujos-museos-pushkin-moscu-ermitage-Leningrado
http://www.wikipaintings.org/es/henri-matisse
http://mirararte.blogspot.com.es/2011/07/henri-matisse.HTML

Wassily Kandinsky (expresionismo grupo el Jinete Azul/abstracción):
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/302
http://www.wikipaintings.org/es/wassily-Kandinsky
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=280
http://www.guggenheim-bilbao.es/exposiciones/vasily-kandinsky-en-su-contexto/

Franz Marc (expresionismo grupo el Jinete Azul):
http://www.wikipaintings.org/en/franz-marc
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/388
http://trianarts.com/franz-marc-expresionismo-aleman-y-der-blaue-reiter/
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2008/06/franz-marc.HTML

Ernst Ludwing Kirchner (expresionismo grupo el Puente):
http://www.wikipaintings.org/en/ernst-ludwig-kirchner
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/309
http://www.salamatisse.es/recomendaciones-exposiciones/7028/ernst-ludwig-kirchner-o-la-expresion-de-la-vida

Edvard Munch (expresionismo):
http://www.wikipaintings.org/es/edvard-munch
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/425
http://www.revistaenie.clarin.com/arte/Vida-Edvard-Munch-cambiaba-zapatos-grito_0_934707113.HTML
http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_03_04/munch.htm

Juan Gris (cubismo):
http://www.wikipaintings.org/es/juan-gris
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/248
http://www.artepinturaygenios.com/2011/01/juan-gris.HTML
http://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/gris-juan-gonzalez-perez-jose-victoriano

María Blanchard (cubismo):
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/maria-blanchard
http://mujeresenelarte.blogspot.com.es/2009/02/maria-blanchard-santander-1881-paris.HTML
http://artedemadrid.wordpress.com/2013/01/24/recordando-a-maria-blanchard/
http://www.m-arteyculturavisual.com/2012/09/21/maria-blanchard-o-la-reivindicacion-de-una-de-las-grandes-artistas-de-la-vanguardia/

Marcel Duchamp (dadaísmo):
http://www.wikipaintings.org/en/marcel-duchamp
http://www.elarteporelarte.es/el-dadaismo-marcel-duchamp/
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/personajes/1794.htm
http://estudiandoloartistico.wordpress.com/2013/03/24/dadaistas-marcel-duchamp/

Joan Miró (surrealismo):
http://www.fundaciomiro-bcn.org/?idioma=6
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/406
http://www.wikipaintings.org/es/joan-miro
http://miro.palmademallorca.es/obra_grafica/cintro.HTML

René Magritte (surrealismo):
http://www.wikipaintings.org/es/rene-magritte/mode/all-paintings-by-alphabet
http://obrarenemagritte.blogspot.com.es/
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/381
http://www.educathyssen.org/capitulo_2_rene_magritte

Salvador Dalí (surrealismo):
https://www.salvador-dali.org/es_index.HTML
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/dali-todas-sugestiones-poeticas-todas-posibilidades-plásticas
http://www.muyinteresante.es/cultura/arte-cultura/articulo/diez-frases-geniales-de-salvador-dali-941390475865
http://lab.rtve.es/revelando-a-dali/

Otto Dix (nueva objetividad):
http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/178
http://www.artepinturaygenios.com/2012/04/otto-dix-retratos-marginalidad-y.HTML
http://www.nuevarevista.net/articulos/otto-dix-la-pintura-del-testigo
http://www.wikipaintings.org/en/otto-dix

La presentación power point debe reflejar los datos biográficos más importantes, las características del estilo al que pertenece  el artista y las obras más representativas de cada autor. Al final de vuestra presentación realizaréis una valoración personal.
Máximo 25 diapositivas.

ACTIVIDADES

1. LA ARQUITECTURA EN LA SEGUNDA MITAD DEL S. XIX

TORRE EIFFEL

Autor: Gustave Eiffel.
Cronología: 1887-1889
Localización: París.
Descripción:
Era el gran arco de entrada para la Exposición Universal de 1889. Con más de 300 metros de alto, en su momento fue el edificio más elevado del mundo. Está construida enteramente en hierro y formada por más de 18.000 piezas prefabricadas.
Aunque pesa más de 10.000 toneladas, da la sensación de ligereza, lo que se logra por la transparencia, que hace imposible distinguir entre el interior y el exterior, y su estrechamiento en altura.
Se fija al suelo con cuatro pilares hechos con barras de hierro que se estrechan hasta unirse en la cúspide rematada con una antena, formando una esbeltísima pirámide con aristas cóncavas.
Su interior hueco consta de tres niveles o plataformas, dos intermedias y un mirador superior a los que se accede por escaleras o mediante dos ascensores.



Actividad: realiza un comentario de la obra, partiendo de la lectura de la famosa "Protesta de los artistas", teniendo en cuenta las posibilidades que ofrecen los nuevos materiales en la arquitectura del siglo XIX, cuál fue el origen de la obra, cómo fue acogida y valorada, etc.



2. ARTES FIGURATIVAS DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX.


"los jugadores de cartas",  1894-1895

"Desnudo al sol",  1874-1875

"El puente de Argenteuil", 1874

Actividad: escoge una de estas tres obras y realiza una ficha en la que incluyas el título, autor, cronología y un comentario en el que expliques porque la obra escogida pertenece a un movimiento y las características particulares del autor si las tiene.


3. MODELO COMENTARIO OBRA DE ARTE.

Este comentario debe serviros de ejemplo para los que realicéis por vuestra cuenta y el día del examen ya que los apartados que aparecen a continuación serán los que os exija:


Título: "La ciudad que surge" 1910

Autor: Umberto Boccioni

Descripción de la obra: 

Esta pintura se incluye dentro del movimiento de vanguardia llamado Futurismo. Refleja sus características principales tanto en la temática como en la manera de aplicar los pigmentos.
La pincelada es suelta, alargada y agitada reflejando el movimiento de los caballos, las figuras y de la propia ciudad. Los colores que se emplean son los básicos, destacando tanto el color rojo como el azul. No se mezclan los pigmentos coloca las pinceladas de distintos colores una al lado de otra o por encima pero sin mezclarlos, es decir la pincelada es aplicada de manera divisionista o fragmentada. Los contornos se difuminan debido a esa pincelada suelta y con el objetivo de plasmar el movimiento.
El Futurismo se caracteriza por negar el academicismo y el pasado artístico. Intentan expresar las estructuras en movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. Esta característica se refleja en la pintura a través de las figuras de los caballos que aparecen agitados, al galope, como si estuvieran desbocados. Recibirán una importante influencia de la cronofotografía que plasmaba las diferentes fases del movimiento.
Esta pintura hace hincapié en una de las temáticas futuristas por excelencia: la ciudad moderna, en continua construcción, símbolo de modernidad. Otra obra de Boccioni que refleja esta temática futurista sería "La calle ante la casa".

Contexto histórico:

Los años de cambio de siglo (finales del siglo XIX-principios del s.XX) se van a caracterizar por el progreso material, que transformará la ciudad hasta ahora conocida. La Revolución Industrial tendrá una gran influencia dentro del mundo artístico, surgirán nuevos materiales, como el hierro, que darán lugar a un nuevo tipo de construcciones que por ejemplo los futuristas reflejarán en sus pinturas como es el caso de esta obra de Umberto Boccioni.
Durante los primeros años del siglo XX surgirán una serie de movimientos artísticos conocidos como vanguardias (proviene del término avant-garde) que romperán con la tradición burguesa. Dentro de estas vanguardias se encuentra el futurismo que se caracteriza por ser un grupo de artistas unidos bajo una serie de ideales que plasmarán en su Manifiesto Futurista de 1909.




Aclaraciones: este es un modelo de comentario para esta obra. El contexto histórico puede ser diferente dependiendo del movimiento al que pertenece la obra, es decir, si es impresionista deberíamos hablar de la creación de los pigmentos sintéticos, si es expresionista de la influencia de la personalidad del artista o de la Primera Guerra Mundial, etc.